{"id":176944,"date":"2023-01-23T15:11:45","date_gmt":"2023-01-23T15:11:45","guid":{"rendered":"https:\/\/develop.mercatflors.cat\/blog\/text-riika-lakso\/"},"modified":"2023-01-23T15:11:45","modified_gmt":"2023-01-23T15:11:45","slug":"text-riika-lakso","status":"publish","type":"blog","link":"https:\/\/develop.mercatflors.cat\/es\/blog\/text-riika-lakso\/","title":{"rendered":"‘Recoreografiar lo sintom\u00e1tico’, por Riikka Laakso"},"content":{"rendered":"

\u201cYes to \u2018invention\u2019 (however impossible)<\/em>
\n Yes to un-naming, decoding and recoding expression
\n<\/em>Yes to non-recognition, non-resemblance
\n<\/em>Yes to non-sense\/illogic
\nYes to organizing principles rather than fixed logic systems
\nYes to methodology and procedures
\nYes to editing and animation
\nYes to style as a result of procedure and specificity of a proposal
\nYes to multiplicity and difference\u201d<\/em><\/p>\n

YES-manifesto<\/em>, Mette Ingvartsen, 2004<\/p>\n

El trabajo camale\u00f3nico de la bailarina y core\u00f3grafa Mette Ingvartsen transita por una multiplicidad de formas y mecanismos, bebe de lenguajes y estilos varios, de tal manera que f\u00e1cilmente la podemos incluir en una descripci\u00f3n de la danza contempor\u00e1nea como un campo extremadamente heterog\u00e9neo, en una muda constante de la piel: en cada proceso y obra propone qu\u00e9 es y qu\u00e9 podr\u00eda ser la danza en el siglo XXI.<\/em><\/p>\n

Como p\u00fablico, en su obra podemos encontrarnos en una situaci\u00f3n teatral convencional a la italiana<\/em>, pero tambi\u00e9n en una visita guiada a una exposici\u00f3n, una lectura performativa o un espect\u00e1culo m\u00e1s participativo. Sus coreograf\u00edas son ecosistemas formados por diferentes m\u00e9diums<\/em> como son el movimiento, la acci\u00f3n, uso de distintos objetos y materiales, la palabra o el sonido. Cada una de sus obras pide una situaci\u00f3n y una manera de presentar el cuerpo<\/em>, resultando en un dueto saltado en camas el\u00e1sticas en It\u2019s In The Air<\/em> (2008) con Jefta van Dinther \u2014 tambi\u00e9n core\u00f3grafo y colaborador habitual de Ingvartsen \u2014, o en la necesidad de emplear interpretes no humanos (burbujas, humo, confeti, etc\u00e9tera) como ocurri\u00f3 en varias piezas de su serie \u2018The Artificial Nature Series\u2019 (2009-2012) que trataba nuestra relaci\u00f3n con el entorno desde una \u00f3ptica poshumana.<\/p>\n

Ella baila sola, en dueto, en grupo.<\/p>\n

Ingvartsen forma tambi\u00e9n parte de un oleaje potente de revival <\/em>de performers solistas alrededor de los 2000, cuando muchas mujeres tomaron los escenarios con su presencia como auteurs <\/em>para desarrollar lenguajes personales distintivos. En el ambiente pre- y post-#metoo <\/em>el cuerpo ocup\u00f3 un lugar fundamental para provocar, reforzar y participar en los debates latentes.<\/p>\n

Su pieza 50\/50<\/em>, estrenada en 2003 cuando la core\u00f3grafa a\u00fan estudiaba en P.A.R.T.S. (la cuna de danza contempor\u00e1nea europea, una escuela fundada en Bruselas por Anne Teresa de Keersmaeker, donde han estudiado creadores como Sidi Larbi Cherkaoui, Marlene Freitas Monteiro, Roberto Olivan, Salvador Sanchis, Sonia G\u00f3mez, Lali Ayguade, Federica Porello, Albert Quesada y un largo etc\u00e9tera), es un ejemplo potente de su fuerza como performer<\/em>.<\/p>\n

En este solo transforma su cuerpo desnudo con distintas m\u00e1scaras (como es una peluca, pero tambi\u00e9n m\u00e1scaras musicales, lum\u00ednicas, situacionales\u2026) que plasman gestualidades marcadas y provocan una metamorfosis profunda de la piel. Nos invita a contemplar la realidad ficcional de ese cuerpo, su clima cambiante, su pulso, su temperatura. 50\/50<\/em> se podr\u00eda describir como un estudio sobre el gesto y la acci\u00f3n que construyen y transforman la carne de manera radical, mientras Manual Focus<\/em>, otra obra de los inicios de la core\u00f3grafa estrenada en 2003, profundiza en la forma (no)humana: juega con nuestra capacidad de percepci\u00f3n, de entender la corporalidad como un doble de nosotros mismos, desde un parecido. \u00bfCu\u00e1ndo \u2014 en qu\u00e9 momento preciso \u2014 un cuerpo se lee como tal? \u00bfY cu\u00e1ndo, en cambio, deja de ser un cuerpo, se borran las caracter\u00edsticas que lo identifican como un ser humano \u2014 y nos aparece como un organismo viscoso, una masa de carne, una plastilina de piel? Acompa\u00f1ada por dos bailarinas m\u00e1s, nuevamente desnudas y empleando unas m\u00e1scaras, distorsiona nuestra percepci\u00f3n sobre lo conocido y desconocido, aventur\u00e1ndose en un terreno unheimlich, <\/em>e invit\u00e1ndonos a contemplar esas nuevas corporalidades creadas.<\/p>\n

De esta manera, Ingvartsen parece anticipar una pregunta absolutamente central en sus siguientes trabajos: \u00bfNuestro cuerpo (no) nos pertenece? <\/em>Envuelta en un juego de la performatividad <\/em>\u00a0\u2014 clara referencia a Judith Butler y sus teor\u00edas del g\u00e9nero como un performance<\/em> \u2014 Ingvartsen nos invita a transformar nuestra propia mirada, tomando como base el cuerpo (femenino) desnudo: es un contenido, un reclamo, un manifiesto, un grito, \u00a1pero tambi\u00e9n una diversi\u00f3n!<\/p>\n

La bailarina solista ha sido el eje fundacional de discursos vanguardistas, especialmente a partir del modernismo \u2014 donde justamente eran las core\u00f3grafas quienes marcaban estilo, est\u00e9tica y luego escuela, como en ning\u00fan otro campo art\u00edstico \u2014, pero nunca desde un lugar neutro como cuerpo, sino atravesadas por contenidos sociopol\u00edticos asociados a su g\u00e9nero. Cuando una mujer ocup\u00f3 el escenario la sexualidad siempre estuvo presente. Ingvartsen, interesada en la expresi\u00f3n andr\u00f3gina, de poder borrarse y volverse a otro cuerpo en performance<\/em>, ya en sus primeros trabajos se enfrenta a estas tensiones entre un cuerpo vivido, un cuerpo actuado y cuerpo le\u00eddo desde fuera.<\/p>\n

Otra caracter\u00edstica central del trabajo de Ingvartsen es una relaci\u00f3n muy consciente con la historia del arte. De hecho, tambi\u00e9n es doctora en coreograf\u00eda por la Universidad de Lund (Suecia), y en sus obras se percibe como lo corporal abraza el pensamiento. En vez de sumarse a la b\u00fasqueda eterna de novedad como una tendencia del mercado de la danza contempor\u00e1nea, algo que Bojana Cveji\u0107 critica como \u2018una miop\u00eda basada en la novedad ahist\u00f3rica\u2019, Ingvartsen enlaza habitualmente sus obras de manera exacta con referencias: su danza remite a otros cuerpos en la historia.<\/p>\n

La contracultura y performance<\/em> de los a\u00f1os 60 son fuentes para otra de sus obras solistas 69 positions <\/em>(2014), donde Ingvartsen toma la utop\u00eda de una liberaci\u00f3n sexual como modelo corporal para su investigaci\u00f3n. Trata el cuerpo como un lienzo donde plasmar ideas, como material carnal per se<\/em>, como exclamaci\u00f3n de disconformidad. Nos recuerda que el cuerpo desnudo ha ocupado un lugar de resistencia contra los mecanismos opresivos, la guerra de Vietnam, el capitalismo salvaje o cualquier estructura social caducada. De esta investigaci\u00f3n en torno a la sexualidad nace una serie de coreograf\u00edas llamadas \u2018The Red Pieces\u2019 donde la artista indaga, por ejemplo, en la infiltraci\u00f3n de la pornograf\u00eda en diferentes esferas de la sociedad en 21 pornographies<\/em> (2017). En la obra, el concepto de \u2018pornograf\u00eda\u2019 extiende su significado a las estructuras de hiperexposici\u00f3n que tejen redes de poder y comunicaci\u00f3n en nuestra sociedad actual. Ingvartsen lleva su p\u00fablico de manera sugerente, pasando del cuerpo a la palabra, expande la coreograf\u00eda<\/em> a sensaciones corporales de manera ingeniosa, como cuando en medio de descripciones sobre fetiches sexuales basadas en los textos de Marqu\u00e9s de Sade, la artista invita al p\u00fablico a comerse un bomb\u00f3n escondido debajo del reposabrazos de cada asiento del teatro.<\/p>\n

Simult\u00e1neamente con 21 pornographies<\/em> Ingvartsen estaba desarrollando una nueva versi\u00f3n de su pieza to come,<\/em> estrenada en 2005 justo cuando la core\u00f3grafa acababa de graduarse de P.A.R.T.S. Esta versi\u00f3n ampliada, llamada to come (extended),<\/em> vio la luz doce a\u00f1os despu\u00e9s, en el 2017. Indaga en las coreograf\u00edas de la sexualidad<\/em> cuyas formas m\u00faltiples abundan en los medios de comunicaci\u00f3n, un imaginario construido que circula a trav\u00e9s de nuestros cuerpos, que repetimos y reproducimos en nuestros actos y deseos. Ingvartsen propone una lupa para mirarlas de cerca, modificarlas, distorsionarlas, retrabajarlas. \u00bfHasta qu\u00e9 punto nuestra sexualidad y sus manifestaciones nos pertenecen? \u00bfSomos sujetos de nuestras acciones o fotocopiadoras de im\u00e1genes vistas y encarnadas? Se produce deseo y se promete placer, pero \u00bfcon qu\u00e9 mecanismos?<\/p>\n

La composici\u00f3n detallada de to come <\/em>sugiere im\u00e1genes t\u00e1ctiles, aunque la piel de los bailarines se esconde bajo un manto uniforme de malla azul. Cuerpos sedosos, cuerpos de licra, cuerpos viscosos, cuyos gestos sensuales y de precisi\u00f3n absoluta nos invitan a proyectar en cada cuerpo un rostro, una expresi\u00f3n. O avatares de la sensualidad, protegidas bajo una capa impermeable, una m\u00e1scara de cuerpo entero que, a su vez, acent\u00faa el movimiento m\u00e1s m\u00ednimo. Cuerpos sin rostro \u2014 o, con todos los rostros posibles \u2014. Coreograf\u00edas de cuerpos en busca de placer \u2014 \u00bfo una reproducci\u00f3n de constelaciones corporales del imaginario colectivo? Cuerpos alisados, higienizados, sellados. An\u00f3nimos. \u00bfO, tal vez, cuerpos-croma donde su carne virtual puede ser reemplazada por nuestros deseos e im\u00e1genes internas?<\/p>\n

En to come <\/em>la vertiente vital, una caracter\u00edstica m\u00e1s del trabajo de Ingvartsen, sale en forma de reivindicar una afirmaci\u00f3n positiva de la sexualidad. Ingvartsen form\u00f3 parte del elenco que cre\u00f3 la primera versi\u00f3n de la obra en 2005 junto a cuatro otros performers, <\/em>(en general, la creadora quiere siempre investigar desde la fisicalidad y pasar las ideas por su propio cuerpo, aunque su papel sea dirigir la obra), y decidieron usar el disfrute y el espacio compartido como una estrategia feminista, frente a lo individual y aislado que promueven las estructuras neoliberales. Los espacios de placer compartido proponen tambi\u00e9n una salida de la pareja monog\u00e1mica como estructura social dominante, presente de manera invisible por ejemplo en una gran cantidad de bailes sociales, cuyo lenguaje se basa en las figuras realizadas por parejas heterosexuales.<\/p>\n

to come<\/em> encarna un manifiesto que la core\u00f3grafa escribi\u00f3 despu\u00e9s de su pieza 50\/50<\/em> en 2004, como contrapartida al conocid\u00edsimo no manifiesto<\/em> de Yvonne Rainer escrito en 1967, y habitualmente citado como documento que resume algunos principios centrales de la danza postmoderna estadounidense de los a\u00f1os 60. En su YES-manifesto Ingvartsen celebra un mestizaje de lo conceptual con lo corporal, diciendo S\u00cd a la redefinici\u00f3n del virtuosismo o la conceptualizaci\u00f3n de la experiencia, el afecto o la sensaci\u00f3n. Abraza la multiplicidad y la diferencia, adora lo il\u00f3gico o el desprop\u00f3sito (nonsense<\/em>). Las coreograf\u00edas de Ingvartsen son catalizadoras sensoriales, emocionales pero tambi\u00e9n intelectuales, impregnadas de pensamiento te\u00f3rico. Nos invitan a sentir el calor del swing<\/em>, a la vez que sugieren una observaci\u00f3n cr\u00edtica de las entra\u00f1as de ese baile.<\/p>\n

Justamente esa vitalidad de swing <\/em>ti\u00f1e el trabajo de Ingvartsen a varios niveles, reivindicando habitualmente el placer de moverse y sudar juntos. <\/em>Lo f\u00edsico ocupa un lugar primordial en sus obras, a veces de manera repentina, como cuando en medio de una visita guiada de 69 positions<\/em> Ingvartsen empieza a bailar delante de m\u00ed, sonriendo, mir\u00e1ndome fijamente a los ojos. Dudo, siento las miradas alrededor, su corporalidad me invita al movimiento, y decido ceder. Por unos instantes nuestros cuerpos comparten una celebraci\u00f3n.<\/p>\n

Ese espacio de celebrar el movimiento es<\/em> su obra The Dancing Public <\/em>(2021) que investiga la danza en unas manifestaciones extremas como son un \u00e9xtasis colectivo, una enfermedad contagiosa o una prueba de resistencia. Fen\u00f3menos sociales de estados corporales excesivos como fue en la edad media la coreoman\u00eda <\/em>(popularmente conocido como \u2018el baile de San Vito\u2019), una danza involuntaria que llenaba las calles y plazas hasta con miles de personas convulsivas, contagiando el movimiento de cuerpo a cuerpo. La danza como una descarga, una cura, no tan ajena al \u00e9xtasis de movimiento de una rave <\/em>donde la m\u00fasica electr\u00f3nica invita a la purificaci\u00f3n.<\/p>\n

O el cuerpo individual como un supuesto canal de \u2018la enfermedad del siglo\u2019, mostrada por las mujeres hist\u00e9ricas durante la segunda mitad del siglo XIX. La histeria, una obsesi\u00f3n de la \u00e9poca, se dibujaba en los gestos y expresiones de esos cuerpos femeninos, mostrando las pasiones, contorsiones y el delirio en unas demostraciones cl\u00ednicas performativas en el anfiteatro del hospital La Salp\u00eatri\u00e8re de Par\u00eds. Esa danza irracional parec\u00eda sacudir al cuerpo m\u00e1s all\u00e1 de su estructura anat\u00f3mica, y por este motivo resultaba extremadamente atractiva incluso para el \u2018p\u00fablico\u2019 m\u00e9dico a nivel internacional. Un reality show<\/em> corporal, una oportunidad de voyerismo<\/em>, como tambi\u00e9n eran los maratones de danza, populares en Estados Unidos durante la Gran Depresi\u00f3n de los a\u00f1os 30, donde los participantes pasaban por momentos de agon\u00eda miserable al bailar durante d\u00edas y semanas. Una danza de la vida y muerte, mostrando la decadencia del ser humano en los l\u00edmites de su resistencia f\u00edsica y ps\u00edquica.<\/p>\n

Entendiendo la danza como s\u00edntoma y remedio, en su obra Mette Ingvartsen nos invita a sumergirnos al abandono placentero de un mundo donde reina lo f\u00edsico. Propone una descarga cin\u00e9tica, dionisiaca, de vaciar el cuerpo con sudor \u2014 a la vez que dirige nuestro ojo hacia los mecanismos viciados que ejercen un control corporal cotidiano \u2014. Como contrapartida de una sociedad poco f\u00edsica, de gestos podados, Ingvartsen nos hace observar esa sociedad desde sus ficciones sensoriales bailadas.<\/p>\n

Riikka Laakso<\/strong><\/p>\n

METTE INGVARTSEN<\/strong> presenta dins la seva constel\u00b7laci\u00f3:\u00a050\/50 + Manual Focus <\/a><\/em>(28 i 29 de gener), to come (extended)<\/em><\/a> (2 i 3 febrer) i The Dancing Public<\/em><\/a> (5 febrer)<\/p>\n

BIBLIOGRAF\u00cdA:<\/strong><\/p>\n

Banes, Sally. (1998). Dancing Women. <\/em>Female Bodies On Stage.<\/em> Routledge.<\/p>\n

Didi-Huberman, Georges. (2007). La invenci\u00f3n de la histeria: Charcot y la iconograf\u00eda fotogr\u00e1fica de la Salp<\/em>\u00eatri<\/em>\u00e8re<\/em>.<\/p>\n

Gotman, K\u00e9lina. (2018). Choreomania: Dance and Disorder. <\/em>Oxford.<\/p>\n

Hustvedt, Asti. (2011) Medical muses: Hysteria in nineteenth-century Paris<\/em>. New York: Norton.<\/p>\n

Jones, Amelia. (1998). Body Art\/Performing the Subject<\/em>. University of Minnesota Press.<\/p>\n

Malnig, Julie (ed, 2009). Ballroom, boogie, shimmy sham, shake. A social and popular dance reader.<\/em> Urbana: University of Illinois Press.<\/p>\n

ENLACES sobre el trabajo de la artista:<\/strong><\/p>\n

Web de Mette Ingvartsen:<\/p>\n

https:\/\/www.metteingvartsen.net\/<\/a><\/p>\n

Tom Engels: 21 pornographies & to come (extended),<\/em> una entrevista con Mette Ingvartsen:<\/p>\n

https:\/\/www.metteingvartsen.net\/texts_interviews\/21-pornographies-to-come-extended-interview-with-mette-ingvartsen\/<\/a><\/p>\n

Entrevista a Mette Ingvartsen sobre la obra 69 Positions<\/em>:<\/p>\n