c Y lo hace con parad\u00f3jicos signos de agotamiento, exceso e insaciabilidad. Apesadumbrada y pedag\u00f3gica, ir\u00f3nica y reflexiva, vertiginosa y quietista, la danza ha puesto en marcha todo tipo de estrategias para enmascarar de buen \u00e1nimo, de ligereza, o de explosividad su desmesurada marcha…. Mascaradas supra-ic\u00f3nicas o incluso imperceptibles. El propio cuerpo, que suele comparecer como fatiga o como exilio, recurre a las mascaradas para emprender la b\u00fasqueda de todas sus valencias, tanto en las magnitudes de intensidad (estallidos, brillos, afectos, acentos, etc\u00e9tera), como en las de extensibilidad (n\u00famero, espacio, duraci\u00f3n, cognici\u00f3n, etc\u00e9tera).<\/p>\n
Otro tanto sucede con los temas, que, aunque agotados, no dejan de multiplicarse insaciablemente. La danza trans-acciona<\/em> con todos ellos, con los de la alta cultura y con los de la alta costura. Aunque sintom\u00e1ticamente, en la actualidad encuentra en el pop la posibilidad privilegiada de enmascarar su trans-acci\u00f3n<\/em> con la vida. Series de televisi\u00f3n, superh\u00e9roes, videojuegos, rock, rap, porno.., en los \u00faltimos a\u00f1os, la danza se ha ido relacionado con lo mejor y lo peor de la cultura popular. Pero no para dar valor e inter\u00e9s esc\u00e9nico a cosas divertidas, ni como manera de hacer fascinante la naturaleza de sus materiales coreogr\u00e1ficos, sino como justificaci\u00f3n para reflexionar sobre s\u00ed misma. Pues la danza, que tiene un exceso de objetos y materiales, que est\u00e1 a la vez infectada de nostalgia y de melancol\u00eda, sabe que s\u00f3lo existe para ella una \u00fanica cosa necesaria e imprescindible: ella misma. S\u00f3lo que la \u00fanica manera de poder reconocerse y de poder abordarse es a trav\u00e9s de la m\u00e1scara y la iron\u00eda.<\/p>\n Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church,<\/em> de Trajal Harrell, recurre a esta v\u00eda. Para hacerlo, Trajal Harrell construye un ready made<\/em> hipot\u00e9tico y reflexivo. En tanto que ready made, Twenty Looks… <\/em>lleva un universo de baile pop al seno de la danza contempor\u00e1nea. Y en tanto que hip\u00f3tesis reflexiva, lleva a escena una inc\u00f3gnita de partida: \u00ab\u00bfQue hubiera pasado si en el a\u00f1o 1963 la escena voguing <\/em>de Harlem hubiera conocido la danza postmoderna de la Judson Church?\u00bb.<\/p>\n ***<\/p>\n Como hijo bastardo y desvergonzado de la moda, y m\u00e1s concretamente de la revista Vogue<\/em>, de donde toma su nombre, el voguing<\/em> vino a urdir su lustroso universo modal a partir del tejido gestual de la pasarela, con poses t\u00edpicas de las modelos: movimientos angulares, lineales y r\u00edgidos de los brazos, las piernas y el torso del cuerpo. Como tendencia, naci\u00f3 en el \u00e1mbito de los salones afroamericanos de baile del Harlem de los a\u00f1os sesenta, y aunque originalmente fue llamado \u00abpresentaci\u00f3n\u00bb (presentation<\/em>) y luego \u00abperformance\u00bb, porque simplemente se ce\u00f1\u00eda a parodiar carnavalescamente las poses del cuerpo en pasarela, con el tiempo evolucion\u00f3 hacia formas m\u00e1s intrincadas e ilusorias, adquiriendo el nombre con el que hoy se le conoce.\u00a0 Como danza, el voguing <\/em>naci\u00f3 y se desarroll\u00f3 en la escena gay de algunos clubs de las ciudades m\u00e1s importantes de Estados Unidos, especialmente New York, pero se convirti\u00f3 en una moda internacional al ser la base coreogr\u00e1fica de la canci\u00f3n y el v\u00eddeo de Madona \u00abVogue<\/em>\u00bb (1990).<\/p>\n La relaci\u00f3n del baile con la m\u00fasica popular, como sucede, por ejemplo, con el hip-hop, implica formas gestuales que evolucionan al lado mismo de las formas musicales. El break<\/em> con la llegada del break beat<\/em> y sus ritmos absolutamente despojados y esencialmente percutivos; las t\u00e9cnicas rob\u00f3ticas y los bockings<\/em> provienen de la sonoridad funky<\/em>; las waves<\/em> vienen impulsadas \u200b\u200bpor el electro<\/em>, que a su vez prosper\u00f3 a partir de las primeras cajas r\u00edtmicas; el hype <\/em>despeg\u00f3 con las coreograf\u00edas de Janet Jackson y luego fueron adaptadas a la evoluci\u00f3n del rap<\/em> (hardcore<\/em>, raggamufin<\/em>, R & B<\/em>…). Un caso distinto, sin embargo, es el de las llamadas tendencias, como el voguing <\/em>o el house dance, <\/em>que nacieron y se transmitieron en clubes como s\u00edntomas comunitarios.<\/p>\n Es verdad que en todo este universo es dif\u00edcil distinguir entre lo que es una t\u00e9cnica de lo que es un estilo o una tendencia. Pero, en general, una tendencia suele tener una connotaci\u00f3n subterr\u00e1nea (underground<\/em>), y expresa una novedad que puede llegar a convertirse en una t\u00e9cnica, seg\u00fan la manera como evolucione. La house dance<\/em>, por ejemplo, se convirti\u00f3 en t\u00e9cnica compuesta con un vocabulario especialmente complejo que requiere un gran virtuosismo. Y no menos sofisticado y estilizado evolucion\u00f3 la mascarada gestual del voguing<\/em>. Trans-acciones<\/em> va de g\u00e9neros y este espect\u00e1culo tambi\u00e9n. Recordemos la formulaci\u00f3n que sobre ellos ofrece Luce Irigaray en su precioso libro Ese sexo que no es uno. <\/em>Irigaray sugiere que, en ciertos contextos, las mujeres performatizan la feminidad como una mascarada necesaria. Para Irigaray, las mujeres aprenden a imitar la feminidad de la misma manera como se lleva una m\u00e1scara social. De modo que, en un mundo colonizado por el deseo masculino, las mujeres han puesto en escena la heterosexualidad en un performance ir\u00f3nico que, aunque sea una estrategia de pura sobrevivencia, no resulta menos teatral. Y aunque de alg\u00fan modo Irigaray corre el riesgo de erigir la estrategia como esencialmente femenina y reafirmar as\u00ed los binarismos de g\u00e9nero que ella misma cuestiona de manera tan convincente, a partir de sus an\u00e1lisis se pueden reconocer tambi\u00e9n las posibilidades estrat\u00e9gicas de las mascaradas masculinas, y entre ellas las del drag<\/em>, el glam<\/em>, el passing<\/em>, el travestismo, y, por supuesto, tambi\u00e9n la del voguing<\/em>, con toda la fuerza de su gestualidad artificial, nutrida de teatralidad e iron\u00eda.<\/p>\n Evidentemente la gestualidad del voguing<\/em> est\u00e1 en las ant\u00edpodas del gesto en la radical experiencia del TanzTheater<\/em>. En el voguing<\/em>, el gesto corre el riesgo de convertirse en la casa de mu\u00f1ecas de la danza teatro, en melodrama de futilidad expresiva, en poes\u00eda escrita en la tumba de la pasarela. Porque, como hemos dicho, m\u00e1s que gesto se trata de \u00abposes\u00bb, es decir, de ese fracaso l\u00edrico del gesto que vienen a ser las figuras huecas donde se ampara el cuerpo para ser exhibido; se trata de \u00abposes\u00bb, de gestos marchitos y sumergidos en el gozo oculto de la futilidad del formalismo. Pero Twenty Looks… <\/em>de Trajal Harrell, lo sabe, y utiliza esa futilidad como una posibilidad ir\u00f3nica de mascarada. Como una manera para ironizar sobre el cuerpo glorioso en una \u00e9poca sin dioses. O sin m\u00e1s dioses que los del mercado, de los que la moda resulta ser su lustroso mascar\u00f3n de proa.<\/p>\n V\u00edctor Molina<\/p>\n
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